Née le 8 juin 1951 à Swansea, au Pays de Galles, Gaynor Hopkins – son nom de naissance – grandit dans une famille modeste où la radio et les chansons populaires tiennent une place centrale. Elle commence à chanter dans des clubs locaux avant d’être repérée et de prendre le nom de Bonnie Tyler, puis d’enregistrer ses premiers singles au milieu des années 1970. Son premier grand succès international arrive en 1977 avec « It’s a Heartache », ballade pop‑rock portée par cette voix cassée qui devient sa signature.

C’est toutefois « Total Eclipse of the Heart », composée et produite par Jim Steinman et sortie en 1983, qui l’installe définitivement au panthéon de la pop et du rock. Le titre se classe numéro 1 dans plusieurs pays, accompagne les années 1980 et restera son morceau majeur, omniprésent en radio, en télévision et dans l’imaginaire collectif. Dans le même élan, Bonnie Tyler marque à nouveau les charts avec « Holding Out for a Hero », hymne héroïque et énergique qui renforce son image de diva rock à la chevelure blonde et au timbre indomptable.

Au‑delà de ces tubes planétaires, Bonnie Tyler a poursuivi une carrière fidèle à ses racines pop‑rock, alternant albums studios, compilations et tournées dans le monde entier. Elle reste une figure appréciée des festivals et des plateaux télé, et revient régulièrement sur le devant de la scène, comme lorsqu’elle représente le Royaume‑Uni à l’Eurovision en 2013 avec le titre « Believe in Me ». Jusqu’à récemment, elle continue de donner des concerts, notamment au Portugal, où elle s’est installée et où elle sera finalement rattrapée par des ennuis de santé sérieux au printemps 2026.

Hospitalisée au Portugal après avoir « frôlé la mort » à la suite d’une intervention chirurgicale ayant entraîné une hémorragie et des complications, Bonnie Tyler est placée en coma artificiel, selon les informations rapportées par la presse. Réveillée et stabilisée dans un premier temps, elle reste cependant très fragile, avant que son état ne se dégrade à nouveau et ne conduise à son décès, annoncé comme « inattendu » par ses proches. Les détails médicaux précis ne sont pas rendus publics, mais la famille insiste sur le caractère brutal de cette disparition.

Né en 1951 à Dallas, au Texas, fils de pasteur, Victor Willis grandit dans un environnement où la musique est indissociable du culte. Très tôt, il chante le gospel dans l’église baptiste dirigée par son père, avant de se tourner vers le théâtre et la comédie musicale. Installé à New York, il rejoint la Negro Ensemble Company, passe par Broadway – notamment dans la production originale de « The Wiz » en 1976 – et affine une voix puissante, souple, capable de passer du gospel au disco avec une aisance déconcertante.

C’est en 1977 que sa trajectoire bascule, lorsqu’il rencontre le producteur français Jacques Morali. Autour de Morali et de l’homme d’affaires Henri Belolo se construit le projet Village People : un groupe disco à l’iconographie camp, peuplé de personnages stéréotypés – policier, biker, ouvrier du bâtiment, indien… – censés parler au public des clubs new‑yorkais. Sur le premier album, Victor Willis enregistre l’essentiel des parties vocales quasiment seul, avant que la formation ne se stabilise sur scène.

Le policier des Village People

Sur scène et sur les pochettes, Willis endosse l’uniforme de policier, parfois celui d’officier de marine. Avec sa moustache, son képi et son charisme, il devient rapidement la figure la plus reconnaissable du groupe. Derrière l’image, il est surtout la plume : principal auteur‑compositeur, il écrit ou co‑écrit la majorité des grands succès des Village People. On lui doit, entre autres, les paroles de « YMCA », hymne à la camaraderie masculine dans le décor des foyers YMCA, mais aussi « In the Navy », chanson à double niveau de lecture sur l’engagement militaire et l’imaginaire gay.

En 1978, « YMCA » s’impose comme un phénomène mondial. Le titre inonde les clubs, les radios, les stades ; la chorégraphie des bras dessinant les quatre lettres devient un réflexe collectif sur tous les continents. Des décennies plus tard, la chanson rejoint le National Recording Registry de la Library of Congress américaine, reconnaissance officielle de son importance culturelle et historique. Pour les programmateurs radio, « YMCA » fait partie de ces « gold » inoxydables, régulièrement ressortis pour dynamiser une playlist ou accompagner un événement festif.

Départs, zones d’ombre et retour sur scène

Au début des années 1980, Victor Willis quitte les Village People. Le groupe continue d’exister avec d’autres chanteurs, mais la dynamique commerciale ne sera plus jamais tout à fait la même. De son côté, Willis traverse une période plus sombre, marquée notamment par des problèmes d’addictions et quelques démêlés judiciaires. Sa carrière solo ne retrouvera jamais la visibilité des années Village People, même si plusieurs projets le ramènent ponctuellement en studio ou sur scène.

À partir des années 2000, il opère un retour progressif, d’abord via des apparitions, puis en réintégrant la marque Village People dans différentes configurations de tournée. Sa voix, toujours immédiatement identifiable, redonne du relief aux shows où « YMCA », « Macho Man » et « In the Navy » continuent de servir de climax.

Un combat emblématique pour les droits d’auteur

Au‑delà de la musique, Victor Willis s’illustre aussi par un long bras de fer judiciaire autour des droits d’auteur. À partir des années 2010, il engage des procédures pour faire reconnaître son rôle central dans l’écriture de 24 chansons, dont « YMCA », « In the Navy » et « Go West ». Il obtient le droit de reprendre le contrôle de ses œuvres, situation rarissime pour un catalogue aussi exposé. La presse spécialisée rapporte notamment qu’une décision de justice lui accorde une part substantielle des royalties, jusqu’à 50% des droits sur certaines compositions.

Ces victoires en font un symbole des auteurs‑interprètes cherchant à reprendre la main sur l’exploitation de leurs catalogues face aux maisons de disques. Dans un paysage où les conflits autour des droits sont légion, l’affaire « YMCA » est régulièrement citée comme un cas d’école, intéressant à plus d’un titre pour les professionnels de la radio et de la musique enregistrée.

YMCA, icône pop et objet de débats

La trajectoire de « YMCA » accompagne aussi les débats autour de Victor Willis. Dans l’imaginaire collectif, le titre est largement perçu comme une hymne gay, portée par l’iconographie queer des Village People et son appropriation par la communauté LGBT dans les clubs puis les Pride. Willis, lui, a souvent contesté cette lecture trop univoque, affirmant qu’il voyait davantage la chanson comme un portrait de jeunes hommes trouvant un lieu de sociabilité dans les foyers YMCA, sans intention militante explicite.

Ces prises de position ont nourri la controverse, surtout lorsqu’il a approuvé l’utilisation de « YMCA » dans les meetings de Donald Trump, créant un contraste saisissant entre l’imaginaire associé au titre et sa propre posture politique. Mais, au‑delà des polémiques, la puissance mélodique et festive du morceau continue de transcender les clivages, preuve de la force des chansons signées Willis : une pop immédiatement accessible, qui se prête aux réappropriations multiples.

Un héritage bien vivant sur les ondes

Avec la mort de Victor Willis, c’est une voix majeure du disco et de la culture populaire qui disparaît. Ses chansons, qu’il s’agisse de « YMCA » ou des autres tubes des Village People, restent pourtant omniprésentes, des programmes « disco classics » aux playlists de stations généralistes, en passant par les stades et les mariages.

Pour les radios comme pour les auditeurs, Willis restera l’incarnation d’un certain âge d’or : celui où quelques accords, une ligne de basse irrésistible et un refrain imparable suffisaient à faire basculer une salle entière dans le même mouvement de bras, bras tendus pour dessiner les quatre lettres d’un sigle qui a fait le tour du monde.

Né le 4 avril 1932 à Brooklyn dans une famille modeste, Clive Jay Davis suit d’abord une trajectoire toute tracée vers le droit, décrochant des bourses pour étudier à New York University puis à Harvard Law School, dont il sort diplômé en 1956. Avocat de formation, il entre en 1960 au service juridique de Columbia Records sans imaginer qu’il va bientôt en prendre les commandes et redéfinir le paysage musical mondial.

Très vite, son regard analytique de juriste se double d’un instinct artistique hors norme, qui le pousse à s’intéresser autant aux clauses des contrats qu’au potentiel musical des artistes qu’il croise. Ce mélange rare de rigueur et de flair deviendra sa signature dans une industrie alors en pleine mutation, entre explosion du rock et naissance de la pop moderne.

Promu président de CBS/Columbia Records en 1967, Clive Davis va saisir comme peu de dirigeants l’importance historique de la vague rock qui déferle sur la jeunesse américaine. La scène fondatrice, qu’il racontera toute sa vie, reste le Monterey Pop Festival de 1967, où il découvre Janis Joplin et comprend qu’une nouvelle génération d’artistes peut bouleverser l’économie du disque.

Dans la foulée, il signe Big Brother and the Holding Company, propulsant Janis Joplin au rang d’icône, puis étend son casting à Santana, Bruce Springsteen, Billy Joel, Aerosmith ou encore Chicago, consolidant le catalogue rock de Columbia. Sous sa direction, le label devient un foyer majeur de la culture pop-rock, capable d’embrasser les ruptures esthétiques de la fin des années 1960 et du début des années 1970.

En 1973, Clive Davis est brutalement évincé de CBS, accusé de malversations financières, des accusations qu’il a toujours contestées. Loin de signer la fin de sa carrière, cet épisode marque au contraire le début d’un second acte spectaculaire, avec la création d’Arista Records en 1974, rapidement érigé en label incontournable.

Ses premières signatures installent Arista dans le paysage, mais c’est la décennie suivante qui fera du label une véritable machine à hits, notamment dans la soul, le R&B et la pop. Clive Davis y accueille Aretha Franklin, Dionne Warwick, Patti Smith, Santana, mais aussi des groupes comme les Kinks, tout en contribuant au succès de Pink Floyd et d’Aerosmith. En 2000, il fonde J Records et poursuit cette activité de découvreur et de mentor, en y accueillant entre autres Alicia Keys.

Whitney Houston et l’âge d’or de la pop

La rencontre la plus décisive de sa carrière reste celle avec Whitney Houston, qu’il signe en 1983 alors qu’elle n’a que 19 ans. Producteur, directeur artistique et véritable mentor, Clive Davis façonne patiemment le répertoire de la jeune chanteuse, en l’orientant vers un crossover entre gospel, soul et pop grand public.

Son premier album, “Whitney Houston”, paru en 1985, aligne trois numéros un aux États-Unis et installe l’artiste comme l’une des voix majeures des années 1980 et 1990, portée par l’intuition artistique et la stratégie marketing de Davis. Par la suite, il guide aussi Aretha Franklin et Dionne Warwick dans leurs retours en grâce, et orchestre le comeback spectaculaire de Santana avec “Supernatural” en 1999, album multi-récompensé aux Grammy Awards.

Un palmarès et une influence hors norme

Au fil de plus de six décennies de carrière, Clive Davis aura accompagné, découvert ou relancé une liste impressionnante d’artistes : Janis Joplin, Santana, Bruce Springsteen, Billy Joel, Aerosmith, Barry Manilow, Aretha Franklin, Dionne Warwick, Whitney Houston, Alicia Keys, Jennifer Hudson, Rod Stewart, Lou Reed, entre beaucoup d’autres. Son flair lui vaut le surnom de “chasseur de têtes” et de “directeur artistique qui sent le marché du disque et le potentiel commercial d’un artiste”.

Aretha Franklin le qualifiera de “plus grand producteur de disques de tous les temps”. Intrônisé au Rock and Roll Hall of Fame en 2000, détenteur de cinq Grammy Awards, il restera pour la postérité comme l’un des architectes du son moderne, capable de passer du rock au R&B, de la pop au hip-hop, en cofondant notamment Bad Boy Records aux côtés de Sean “Puffy” Combs.

Hospitalisé au printemps 2026 pour une infection respiratoire, il s’est éteint le 22 juin à son domicile de Manhattan, entouré de sa famille, qui a annoncé la nouvelle sur les réseaux sociaux. Avec lui disparaît l’un des derniers grands bâtisseurs de l’ère des majors du disque, un homme dont les décisions ont façonné la trajectoire de la pop et du rock des années 1960 à nos jours, et dont l’ombre continuera de planer sur les catalogues qu’il a patiemment assemblés

Ces 2 titres anticipent la sortie de leur futur album, Foreign Tongues, attendu pour le 10 Juillet 2026.

Un retour en grande pompe avec « In The Stars »

In The Stars est disponible en single digital, accompagné d'une video qui met en scène le groupe dans une esthétique très contemporaine, avec un usage marqué des effets numériques. Les musiciens y apparaissent rajeunis, dans une version lissée d’eux-mêmes, grâce à des techniques de retouche et de recréation d’images qui s’inscrivent dans la tendance actuelle des clips à forte composante digitale.

La réalisation joue sur l’idée d’un groupe hors du temps, qui traverse les époques comme il traverse l’espace. Les plans mêlent performance du groupe et imagerie stylisée, avec notamment des jeux de lumière et de textures qui rappellent les reflets stellaires suggérés par le titre. Cette approche donne à In The Stars un habillage visuel volontairement spectaculaire, qui contraste avec l’âge réel des musiciens et renforce le côté mythologique du groupe.

Un mid-tempo rock calibré pour le live

Sur le plan musical, In The Stars s’inscrit dans la tradition récente des Rolling Stones : un rock mid-tempo solidement construit, mené par un riff de guitare bien ancré et un groove qui privilégie l’efficacité. Dès les premières mesures, la rythmique installe un balancement régulier qui laisse la place à la voix de Mick Jagger, toujours en avant dans le mix.

Les guitares se répondent entre elles, avec des lignes mélodiques qui alternent entre soutien du couplet et décollage dans le refrain. La section rythmique porte le morceau sans chercher la démonstration, fidèle au style direct et fonctionnel des Stones. Le refrain, répétitif et facilement mémorisable, semble pensé pour être repris en chœur, que ce soit en concert ou par les auditeurs.

La production met en valeur la puissance collective du groupe : voix nette, guitares légèrement saturées, batterie droite, sans surcharge d’arrangements. On retrouve ce son de rock classique mis à jour, qui évite les effets trop datés tout en respectant le langage sonore propre aux Rolling Stones.

In The Stars est notre... star de la semaine sur Radio Collection, à écouter chaque soir à 18H. 

Le single est accompagné d’un clip officiel.

Un retour au premier plan avec un single bien calibré

High Hopes 3000 arrive dans la continuité d’une période où Role Model a multiplié les sorties visibles, notamment avec d’autres singles et contenus live recensés sur ses pages officielles de diffusion.

Les paroles donnent le ton dès l’ouverture : *I end my day the same way it started / Alone in LA while I grieve the departed*. La chanson s’installe ainsi dans un décor très personnel, fait d’isolement, de deuil et d’attente.

Le texte avance sur ce registre avec une forme de franchise désarmante, presque sèche. On y entend un narrateur qui cherche un point d’appui, tandis que l’écriture laisse remonter une fatigue émotionnelle très contemporaine. Ce n’est pas un grand discours dramatique ; c’est plutôt une suite de phrases directes, presque parlées, qui rendent le malaise plus tangible.

Cette simplicité de ton fait partie de ce qui tient le morceau : Role Model ne cherche pas à surjouer la gravité. Il préfère une ligne d’écriture qui laisse la mélodie faire le travail, et c’est souvent là que la chanson prend sa force.

Une production entre piano, guitares et pulsation pop

High Hopes 3000 est un morceau éclatant et très mélodique : Not On Stage parle d’un titre qui, au premier contact, donne une impression de *victory lap*, avec des *pianos brillants*, des *guitares jangle* et une section rythmique qui avance avec souplesse. Clash Music, de son côté, évoque un “colourful pop feast”, autrement dit un morceau aux couleurs vives et à l’élan très direct.

Cette combinaison donne à la chanson une tension intéressante : le fond des paroles reste mélancolique, mais l’habillage musical tire vers quelque chose de plus ouvert, presque euphorique par endroits. C’est précisément ce décalage qui fonctionne ici. Le titre ne s’enferme pas dans la noirceur ; il transforme la fragilité en moteur pop, avec une immédiateté qui parle autant au public indie qu’aux auditeurs attirés par des refrains plus grands que nature.

On retrouve là un procédé classique de la pop-rock contemporaine : dire des choses lourdes sur une base sonore légère. Chez Role Model, l’équilibre penche nettement du côté de l’élan, ce qui empêche la chanson de se refermer sur elle-même.

La rédaction de Radio Collection a élu High Hopes 3000 star de la semaine, à retrouver chaque soir à 18H sur notre antenne, 

Radio Collection met le projecteur sur une artiste que les amateurs de rock et de prog considèrent comme un véritable secret bien gardé : Doris Brendel. Avec sa nouvelle chanson I Don’t Want To Go To Heaven, la chanteuse britannique s’offre un titre à la fois accrocheur, mordant et profondément humain, au point de s’imposer tout naturellement comme notre « star de la semaine » sur les ondes.

Ce morceau résume à lui seul ce qui fait le charme de Doris Brendel : une voix rauque, chargée de vécu, un sens inné de la mélodie, et cette capacité à écrire des chansons qui font sourire tout en grattant là où ça fait un peu mal. I Don’t Want To Go To Heaven n’est pas juste un bon single, c’est une carte de visite idéale pour entrer dans son univers.

Doris Brendel, fille de pianiste classique et âme rock

Pour comprendre la force de cette chanson, il faut dire quelques mots sur son auteure. Doris Brendel est la fille du grand pianiste classique Alfred Brendel, figure majeure de l’interprétation de Beethoven et Schubert. Elle grandit donc dans un environnement où la rigueur de la musique savante côtoie l’émotion brute, mais au lieu de suivre la voie du piano de concert, elle choisit le rock, la scène, les guitares et les chansons.

On la découvre au début des années 1990 avec le groupe The Violet Hour, formation aujourd’hui culte chez les amateurs de rock atmosphérique, puis elle poursuit une trajectoire indépendante, loin des circuits formatés. Albums solo, collaborations, tournées intimistes ou festivals : Doris Brendel préfère la liberté artistique aux compromis. Sa marque de fabrique ? Un mélange d’influences prog, classic rock, folk, blues et même cabaret, servi par une présence scénique très théâtrale.

Cette dualité – héritage classique d’un côté, instinct rock de l’autre – se ressent dans sa façon d’écrire : derrière des chansons très accessibles, on devine une musicienne qui aime bricoler les structures, façonner les arrangements, jouer avec les ambiances. I Don’t Want To Go To Heaven n’échappe pas à la règle.

« I Don’t Want To Go To Heaven » : refuser le paradis, revendiquer la vie

Rien que le titre intrigue : I Don’t Want To Go To Heaven, « je ne veux pas aller au paradis ». À l’heure où tant de chansons évoquent le ciel, l’au‑delà, la rédemption, Doris Brendel prend le contrepied. Elle ne rêve pas d’un après idéalisé, elle parle de ce qui se passe ici, maintenant, avec toutes les imperfections que cela implique.

On peut lire ce morceau comme la confession d’un personnage qui revendique le droit à une vie non parfaite : les erreurs, les excès, les nuits trop longues, les amours compliqués, tout ce que le « paradis » aseptisé promet d’effacer. Là où d’autres fantasment un ailleurs immaculé, Doris Brendel choisit la réalité, avec ses aspérités, et préfère rester sur Terre, dans le bruit et la fureur, plutôt que de monter au ciel en bon élève.

Le texte joue sur cette ambivalence : le mot « heaven » évoque immédiatement l’imaginaire religieux, mais aussi toutes les injonctions modernes à la perfection – être irréprochable, lisse, toujours positif. Le « je ne veux pas y aller » devient alors une sorte de manifeste : laisser le droit à la contradiction, à la vulnérabilité, à une vie qui ne ressemble pas à une brochure de développement personnel.

Une chanson qui reste en tête

Musicalement, I Don’t Want To Go To Heaven coche toutes les cases du single qu’on a envie de remettre immédiatement. La mélodie est immédiate, les couplets accrochent l’oreille, le refrain s’imprime dès la première écoute. On y retrouve ces guitares au grain chaleureux, une rythmique solide, et par‑dessus, cette voix unique, légèrement éraillée, qui donne au texte un supplément d’âme.

L’interprétation de Doris Brendel oscille entre ironie et émotion. Elle chante le refus du paradis avec un sourire en coin, mais on sent aussi, dans certaines inflexions, une vraie fragilité. Le ton reste joueur, mais on devine en filigrane une expérience de vie, des désillusions, des questions existentielles qui dépassent le simple gimmick de titre. Ce contraste – légèreté apparente, profondeur réelle – fait partie de ce qui rend la chanson si addictive.

À l’écoute cette semaine sur nos ondes

I Don’t Want To Go To Heaven est notre star de la semaine, à découvrir chaque soir à 18H sur nos ondes. Mention spéciale également pour le clip, entièrement construit à partir d’images générées par intelligence artificielle, que Doris a ensuite montées et scénarisées. Le résultat est un voyage visuel un peu barré, entre rêve et ironie, qui colle parfaitement à cette chanson.

Une urgence médicale loin des projecteurs

Depuis plusieurs années, Bonnie Tyler partageait sa vie entre le Royaume‑Uni et l’Algarve, région ensoleillée du Portugal où elle a ses habitudes. C’est là que de violentes douleurs abdominales l’auraient conduite aux urgences, forçant les médecins à intervenir rapidement. L’intervention, complexe, a nécessité ensuite un placement en soins intensifs, puis la décision d’un coma artificiel, non pas comme un renoncement, mais comme une protection : limiter la douleur, contrôler les paramètres vitaux, et donner du temps au corps.

Une tournée stoppée net

Ironie cruelle du calendrier : Bonnie Tyler se préparait à remonter sur scène pour une nouvelle série de concerts en Europe. La chanteuse, qui n’a jamais vraiment quitté la scène depuis ses premiers succès, s’apprêtait une fois de plus à retrouver ce public qui la suit depuis plus de quarante ans. Les billets étaient vendus, les salles se remplissaient, les setlists se peaufinaient… tout est désormais suspendu.

Les promoteurs parlent pour l’instant de reports plutôt que d’annulations, signe que l’espoir d’un retour reste intact. Mais dans l’immédiat, une seule chose compte : la stabilisation de l’état de santé de l’artiste. Les projecteurs sont éteints, les affiches restent collées sur les murs, et les fans savent que, pour une fois, la priorité se joue loin de la scène.

Une carrière façonnée par la persévérance

Si l’émotion est si forte autour de son hospitalisation, c’est que Bonnie Tyler occupe une place à part dans l’histoire de la pop‑rock. Sa voix rauque, qu’on pourrait croire née d’un excès de vie nocturne, vient en réalité d’un accident de parcours : une opération des cordes vocales dans les années 1970, qui a laissé cette aspérité si reconnaissable. Là où d’autres auraient vu un handicap, elle en a fait une signature.

Des ballades surdimensionnées des années 1980 aux refrains taillés pour les stades, Bonnie Tyler a incarné cette génération d’interprètes capables de transformer une chanson en véritable scène de cinéma. Total Eclipse of the Heart, Holding Out for a Hero ou It’s a Heartache ne sont pas seulement des tubes : ce sont des repères affectifs pour plusieurs générations d’auditeurs, de la cassette au streaming.

Le soutien silencieux d’un public fidèle

Depuis l’annonce de son hospitalisation, les messages se multiplient sur les réseaux sociaux. On y lit souvent la même histoire : un slow de fin de soirée, un premier baiser, un long trajet en voiture éclairé par sa voix, une adolescence rythmée par ses refrains. Les chansons de Bonnie Tyler sont devenues la bande-son de moments intimes, et c’est cette intimité qui ressort aujourd’hui dans les hommages.

Pour l’instant, l’entourage se montre parcimonieux dans sa communication, signe que la situation reste sérieuse et qu’on tente de préserver la sphère privée. Ce silence calculé contraste avec le vacarme médiatique que pourrait susciter la nouvelle, mais il correspond bien à ce temps suspendu où tout le monde, des proches aux fans, attend le même signal : celui d’une amélioration, d’un réveil possible.

Une attente faite d’espoir et de prudence

L’histoire de Bonnie Tyler a toujours été marquée par la résilience : une voix brisée qui devient légende, une carrière que l’on disait passée et qui renaît sur scène, une artiste qui, à plus de 70 ans, continue de tenir la scène comme au premier jour. C’est cette image d’endurance qui nourrit aujourd’hui l’espoir de la voir surmonter cette nouvelle épreuve.

En attendant, Total Eclipse of the Heart résonne d’une façon différente. La chanson qui parlait d’un cœur plongé dans l’ombre trouve un écho troublant dans cette parenthèse où Bonnie Tyler est, elle aussi, « mise en veille ». Les lumières des salles de concert restent éteintes, mais dans les salons, les voitures et les studios de radio, ses titres tournent en boucle, comme une manière de lui tenir la main à distance.

Un EP événement pour le Vendredi saint

Publié dans la nuit du 2 au 3 avril 2026, Easter Lily est un EP de six titres disponible immédiatement en streaming et en téléchargement. Il arrive moins de deux mois après Days of Ash, sorti le 18 février, jour du Mercredi des Cendres, première collection inédite de U2 depuis Songs of Experience en 2017. Comme son prédécesseur, ce nouveau maxi est accompagné d’une édition spéciale du e‑zine Propaganda, le magazine officiel du groupe, qui livre notes de pochettes, photos studio et textes inédits des quatre membres. Bono a précisé dans un message aux fans que ces sorties ne retarderaient pas l’arrivée du prochain album, promis avec plus de « hoopla and fanfare » dans les mois à venir.

Une tracklist courte mais dense

L’EP aligne six morceaux studio, produits par Jacknife Lee, qui renouent avec le format resserré et conceptuel cher au groupe. La tracklist est la suivante : Song for Hal, In A Life, Scars, Resurrection Song, Easter Parade et COEXIST (I Will Bless The Lord At All Times?), ce dernier titre intégrant un soundscape signé Brian Eno. Les durées, toutes entre quatre et presque sept minutes, laissent le temps aux climats de s’installer, avec un final en apesanteur sur COEXIST qui dépasse les six minutes quarante. On reste dans un ADN U2 très identifiable : guitares mélodiques de The Edge, section rythmique ample d’Adam Clayton et Larry Mullen Jr., et une voix de Bono qui privilégie l’émotion à la démonstration.

Thèmes : entre deuil, amitié, foi et renaissance

Contrairement à Days of Ash, pensé comme une réaction directe aux chaos du monde, Easter Lily vient d’un endroit plus intime, presque cloîtré, où l’on se replie pour faire le point. Song for Hal ouvre l’EP comme une élégie de confinement, chantée en lead par The Edge, en hommage au producteur et ami Hal Willner, disparu pendant le Covid et qui aurait fêté ses 70 ans ce lundi de Pâques. In A Life prend le contre-pied en célébrant l’amitié et ces liens discrets qui nous tiennent debout quand tout chancelle. Scars fonctionne comme une ballade d’encouragement et d’acceptation de soi, « cicatrices » comprises, portée par un refrain qui a déjà été salué comme un futur hymne de stade par la presse anglo‑saxonne.

Au cœur du disque, Resurrection Song est décrite par le groupe comme une chanson de pèlerinage, une sorte de road‑movie intérieur à deux, entre doute et désir de recommencer autrement. Easter Parade joue la carte du dévotionnel, célébrant la nouvelle vie et la résurrection, avec une montée progressive et un final quasi liturgique, ponctué d’invocations façon « Kyrie eleison » selon les notes de Propaganda. Enfin, COEXIST (I Will Bless The Lord At All Times?) se présente comme une berceuse adressée aux parents d’enfants pris dans la guerre, portée par un paysage sonore de Brian Eno qui fait écho au travail ambient réalisé avec U2 depuis les années 80.

Un geste spirituel dans la continuité de U2

En articulant Days of Ash autour du Mercredi des Cendres et Easter Lily autour du Vendredi saint, U2 assume une structure quasi liturgique qui renvoie aux racines spirituelles du groupe. Là où le premier EP se tournait vers les violences du monde (de Minneapolis à l’Iran et la Palestine), Easter Lily choisit le retrait, la contemplation, et parle de foi, d’art, de sens, de mortalité et de possible rebond. L’Irish Times décrit d’ailleurs l’ensemble comme un « disque honnête et en quête, presque cool », soulignant cette tension permanente entre questionnement existentiel et recherche de beauté. Bono lui‑même insiste : ce projet est d’abord « entre vous et nous », une correspondance directe avec les fans, loin de la machine promotionnelle habituelle.

Cette dualité intérieur/extérieur s’incarne aussi dans le packaging numérique : Propaganda – Easter Lily propose les notes de pochette signées The Edge, un texte d’Adam Clayton sur l’art et le chemin de la guérison, un entretien de Bono avec le franciscain Richard Rohr autour de la spiritualité contemporaine, et un carnet photo de Larry en studio. U2 fait ainsi de l’EP un objet éditorial complet, à la frontière entre disque concept, livre de méditations et fanzine deluxe.

Un cru 2026 à haute intensité

Installé sur le site antique de Fourvière, entre Grand Théâtre et Odéon, le festival déroulera plus de deux mois de concerts et de spectacles. Musique, théâtre, danse et créations hybrides se succéderont, avec une attention particulière portée aux passerelles entre générations, des monuments des années 90 à la nouvelle garde indie.

Les premiers noms annoncés avaient déjà donné le ton, entre pop de référence et projets plus pointus. La confirmation de Massive Attack, Pulp, Selah Sue et Wet Leg consacre une édition résolument tournée vers la pop et le rock, dans toutes leurs déclinaisons, du trip‑hop cinématographique au post‑punk joueur.

Massive Attack : le trip‑hop en majesté

Figure tutélaire du trip‑hop, Massive Attack revient à Fourvière pour un nouveau rendez‑vous qui s’annonce comme l’un des temps forts de l’été lyonnais. Le collectif de Bristol a bâti depuis les années 90 une œuvre unique, mêlant nappes électroniques, basses profondes, tensions cinématographiques et engagement politique.

Sur scène, le groupe déploie un dispositif visuel et sonore impressionnant, fait de projections percutantes, de lumières millimétrées et d’une galerie de voix complices. Dans l’écrin minéral du théâtre romain, les pièces maîtresses de « Blue Lines » ou « Mezzanine » prennent une dimension presque rituelle, transformant le concert en expérience immersive à ciel ouvert.

Pulp : la britpop sur les hauteurs de Lyon

Autre événement de cette édition 2026, la venue de Pulp, groupe culte de la britpop porté par Jarvis Cocker. Avec ses chroniques acides de la vie anglaise, entre ironie sociale et mélodies imparables, le groupe de Sheffield a signé quelques-uns des hymnes les plus marquants des années 90.

Voir Pulp investir les gradins antiques de Fourvière promet une rencontre singulière entre la dramaturgie du groupe – poses cabaret, tension permanente, humour pince‑sans‑rire – et la majesté du site. Portés par les refrains repris en chœur, des titres emblématiques devraient résonner tard dans la nuit, dans une atmosphère de communion rare entre public et scène.

Wet Leg : la relève rock s’agrandit

Côté nouvelle génération, Wet Leg incarne cette vague britannique qui bouscule les codes du rock avec désinvolture. D’abord repéré dans les salles de taille moyenne, le duo devenu groupe sur scène mélange riffs accrocheurs, humour sec et énergie presque punk dans un écrin pop.

Les voir passer des clubs à la grande scène des Nuits de Fourvière raconte aussi la trajectoire ascendante d’un groupe adopté par le public français. Dans le décor du Grand Théâtre, leurs morceaux taillés pour les chœurs spontanés et les pogos bon enfant devraient prendre une ampleur nouvelle, offrant un contrepoint juvénile et joyeusement débridé aux monuments que sont Massive Attack et Pulp.

Selah Sue : émotions soul à ciel ouvert

Selah Sue apporte une touche de chaleur soul, de reggae et de pop à cette programmation. La chanteuse belge s’est imposée avec une voix immédiatement reconnaissable, capable de passer du murmure au cri, portée par des chansons mêlant groove lumineux et textes plus introspectifs.

Son retour à Fourvière prolonge une histoire déjà forte avec le public lyonnais. Entre tubes fédérateurs et nouveaux titres plus intimes, Selah Sue devrait proposer un set où les rythmiques reggae, les influences R’n’B et les ballades vulnérables se répondent, dans une atmosphère idéale pour les soirées tièdes de juin ou de juillet sur les hauteurs de la ville.

Né sous le soleil de Californie, le trio almost monday a toujours cultivé une pop lumineuse, faite pour les routes ouvertes, les festivals et les couchers de soleil sur le Pacifique. Avec leur nouveau single Leaving Is Easy, dévoilé le 5 mars 2026, les trois musiciens signent pourtant l’un de leurs titres les plus émotionnels. Une chanson où la douceur mélodique se heurte à la fragilité d’une relation amoureuse sur le point de vaciller.

De San Diego aux grandes scènes internationales

L’histoire du groupe commence loin des studios prestigieux, dans un surf shop de San Diego. Dawson Daugherty (chant), Cole Clisby (guitare) et Luke Fabry (basse) se connaissent depuis longtemps : avant la musique, il y a eu les planches de surf, les petits boulots sur la côte et les sessions improvisées entre amis.

Comme beaucoup de groupes, leur parcours débute dans une atmosphère résolument D.I.Y. : répétitions dans les garages, concerts dans des cafés, premiers fans conquis par le bouche-à-oreille. Peu à peu, leur indie-pop ensoleillée commence à circuler sur la scène locale.

Le nom du groupe raconte d’ailleurs cet état d’esprit. À l’origine, les musiciens voulaient s’appeler The Mondays. Déjà pris, le nom devient almost monday — une expression qui évoque cet instant suspendu où le week-end n’est pas tout à fait terminé, mais où la réalité du lundi commence déjà à se rapprocher.

Les EP qui ont lancé leur trajectoire

almost monday se fait remarquer en 2017 avec le single Take Me Higher. Ce premier succès leur permet de dépasser la scène locale et d’attirer l’attention de la scène alternative américaine.

Deux EP vont ensuite poser les bases de leur identité sonore :
Don’t Say You’re Ordinary en 2020, puis Til the End of Time en 2021. Guitares claires, basses souples, refrains immédiats : le trio affirme une pop moderne, à la fois élégante et accessible.

Le véritable décollage intervient avec Broken People, dont un remix signé Sofi Tukker va propulser la chanson dans les playlists internationales. Almost Monday passe alors de la scène émergente aux grands festivals.

Lollapalooza Berlin, Lollapalooza Paris, Outside Lands… Le groupe multiplie les apparitions et partage l’affiche avec des formations comme Kings of Leon, AJR, The Driver Era, Beach Weather ou encore The Band Camino. En quelques années, les Californiens deviennent l’un des noms qui comptent dans la nouvelle vague alt-pop.

Dive, un premier album comme une photographie de leur vie

En 2024, almost monday franchit un cap important avec Dive, son premier album studio, publié chez Hollywood Records (Universal).

Le disque est conçu comme un instantané de leur existence sur la route. Les chansons capturent les émotions de la tournée, l’énergie des concerts et les moments suspendus entre deux villes.

Des titres comme Tidal Wave, Sunburn, Is It Too Late? ou Jupiter transforment rapidement l’album en collection d’hymnes pop destinés aux scènes estivales. L’album dépasse rapidement les centaines de millions de streams et confirme la place du groupe dans la nouvelle génération indie-pop internationale.

2026 : un nouveau chapitre avec Leaving Is Easy

Après avoir prolongé l’ère Dive avec plusieurs singles — dont Enjoy the Ride et Lost — le groupe ouvre l’année 2026 avec Leaving Is Easy. Le morceau marque clairement le début d’un nouveau chapitre dans la discographie du trio.

Dès les premières secondes, on reconnaît immédiatement la signature sonore du groupe : un groove mid-tempo, une basse souple, une guitare claire et la voix détendue de Dawson Daugherty portée par une production indie-pop très radiophonique.

Mais derrière cette apparente légèreté, la chanson aborde un thème plus fragile : la difficulté d’aimer sur la durée.

Le cœur du morceau tient dans sa phrase centrale : « Leaving is easy, loving is hard. »

En quelques mots, almost monday renverse le cliché romantique du départ héroïque. Dans cette histoire, partir est la solution la plus simple. Ce qui demande du courage, c’est rester, réparer et tenter de reconstruire.

Une mélancolie lumineuse

Le narrateur décrit ses « waterfalls » de larmes, ses appels à ses amis pour parler de cette relation qui se fissure, tout en répétant qu’il ne veut pas dire au revoir. L’écriture reste simple mais très visuelle : soleil sur la peau, pensées qui tournent comme une lame.

Cette approche presque cinématographique correspond parfaitement à l’univers visuel du groupe, très présent dans leurs clips.

L’une des grandes forces du groupe réside dans ce contraste permanent entre la lumière de la musique et la fragilité du texte. On peut danser sur la chanson, reprendre le refrain à pleins poumons, tout en se reconnaissant dans ce moment précis où l’on se demande s’il faut partir ou rester.

Sur le plan sonore, Leaving Is Easy reste fidèle à la signature du trio : une indie-pop claire et élégante, qui privilégie les grooves souples et les lignes vocales mémorables. La rythmique reste contenue, presque retenue, comme si la musique refusait de sombrer dans le pathos malgré la tristesse des paroles.

Comparée à des titres plus euphorisants comme Broken People ou Can’t Slow Down, la chanson assume davantage sa mélancolie.

On y entend un groupe qui a grandi. Un groupe qui a connu l’énergie des festivals et des grandes scènes, mais qui commence aussi à raconter ce qui se passe quand les lumières se rallument et que la vie reprend son cours.

Dans le clip qui accompagne la sortie, cette tension entre douceur et douleur est prolongée par une esthétique très soignée, fidèle à leur univers : des images lumineuses, des silhouettes solitaires et cette impression persistante de feuilleter un polaroid pris sur le vif.

Avec Leaving Is Easy, almost monday confirme une chose : derrière les refrains solaires et les guitares scintillantes, leur pop sait aussi parler des failles humaines — celles que l’on cache parfois derrière les plus belles lumières.

Leaving is Easy est notre star de la semaine sur Radio Collection, à écouter chaque soir 18H.​ Et le clip est accessible dans notre rubrique Video.

Bono a décrit l'album comme six cartes postales du présent dont on aimerait ne pas être les témoins. Cette formule résume l’esprit du projet : un regard frontal sur l’actualité la plus brûlante. Les textes évoquent les violences policières aux États-Unis, les drames liés à l’immigration et aux actions de l’agence ICE, la répression en Iran, les tensions et violences en Palestine et en Israël, ainsi que l’invasion russe en Ukraine et ses conséquences humaines. U2 ne se réfugie pas dans la métaphore vague : les chansons sont ancrées dans le réel, nourries de noms, de lieux et d’histoires contemporaines. Musicalement, le groupe conserve son identité : la guitare aérienne et tranchante de The Edge, la section rythmique solide et tendue, et la voix de Bono, toujours capable de mêler colère, compassion et lyrisme.

L’EP s’ouvre avec American Obituary, une pièce dense et grave, qui plante le décor d’un pays fracturé. The Tears of Things étire ensuite la tension sur plus de cinq minutes, dans une atmosphère à la fois méditative et dramatique. Song of the Future apporte une énergie plus ramassée, presque urgente, tandis que Wildpeace, courte pièce de 1 minute 18, prend la forme d’un poème parlé, porté par une voix invitée et une production minimaliste. Ce moment suspendu agit comme une respiration fragile au cœur d’un ensemble particulièrement sombre. One Life At A Time rappelle, par son titre même, la dimension profondément humaniste du groupe : derrière les grands conflits géopolitiques, ce sont toujours des existences individuelles qui sont brisées.

Le point culminant arrive avec Yours Eternally, morceau final interprété en collaboration avec Ed Sheeran et Taras Topolia, chanteur ukrainien du groupe Antytila. La chanson trouve son origine dans une lettre de Bono adressée à Topolia après la rencontre entre U2 et des artistes ukrainiens à Kiev en 2022, lors d’un concert de soutien. Ed Sheeran y répond musicalement, transformant cet échange en dialogue chanté. Le résultat est une ballade ample et émouvante, qui clôt l’EP sur une note d’espoir fragile plutôt que sur une simple lamentation. Ce titre résume à lui seul l’intention de Days of Ash : témoigner, dénoncer, mais aussi relier.

L’année 2026 marque par ailleurs les 50 ans de la formation de U2, né à Dublin en 1976. Dans ce contexte symbolique, Days of Ash apparaît comme un geste fort : non pas un best of nostalgique ou un projet commémoratif, mais un regard tourné vers le présent. Le groupe a d’ailleurs précisé que ces six morceaux ne figureront pas sur le prochain album studio attendu pour la fin 2026, décrit comme plus lumineux et festif. Cet EP constitue donc une œuvre à part, presque un manifeste intermédiaire, une parenthèse sombre entre deux cycles.

Avec un peu plus de vingt-quatre minutes de musique, Days of Ash ne cherche pas à accumuler les tubes ni à séduire par des refrains calibrés. Il assume sa densité, sa gravité, son urgence. Dans un paysage musical souvent dominé par l’instantanéité et le divertissement pur, U2 rappelle que le rock peut encore être un espace de conscience et d’engagement. Cinquante ans après ses débuts, le groupe prouve qu’il n’a rien perdu de sa capacité à transformer l’actualité en matière artistique. Days of Ash n’est pas seulement un EP surprise : c’est un signal, une déclaration, une œuvre qui regarde le monde en face – même lorsque celui-ci brûle encore sous les cendres.

Le titre Song Of The Future sera la star de la semaine sur RADIO COLLECTION, chaque soir à 18H.

Figure incontournable de la scène rock française avec Hyphen Hyphen, Line ouvre aujourd’hui un chapitre intime sous le nom de Kid Sophie. Avec le single "Love Again", elle délaisse l’énergie collective pour une pop alternative, où les failles du passé deviennent une force. Un envol en solitaire placé sous le signe de l'introspection.

De l'ombre à la lumière : la naissance d'une réalisatrice

On la connaissait comme la bassiste et co-compositrice du groupe Hyphen Hyphen, pilier de l’ombre pendant des années. On l’a vue plus récemment derrière les consoles, signant un travail de réalisation et d’arrangement remarqué sur l'album de Santa. Aujourd’hui, Line s’affirme comme une entité artistique totale : Kid Sophie.

En choisissant ce pseudonyme, elle opère une transition du groupe vers le "je", mais surtout du rock vers une pop alternative et électronique aux contours plus personnels.

Une esthétique New Wave contemporaine

Le single "Love Again" (sorti le 23 janvier 2026) n'est pas qu'une simple chanson pop ; c'est une pièce d'orfèvrerie New Wave contemporaine. Le son est aérien, porté par des nappes de synthétiseurs qui rappellent autant la mélancolie des années 80 que la clarté des productions actuelles.

Là où Hyphen Hyphen cherchait l'explosion, Kid Sophie choisit l'introspection. Sa musique explore les thèmes de la mémoire, de l'enfance et des failles intérieures. Pour l'artiste, ces zones d'ombre ne sont plus des obstacles, mais un véritable terrain d’émancipation. À travers "Love Again", elle explore cette vulnérabilité qui précède la renaissance amoureuse.

En route vers le premier EP

Si Line a longtemps mis son talent au service des autres, elle s'approprie désormais l'espace. L'heure est à la préparation de son tout premier EP, dont "Love Again" est le fer de lance. 

YONAKA ouvre un nouveau chapitre de son histoire avec Until You’re Satisfied, un deuxième album attendu le 13 mars 2026 et qui marque une évolution nette, plus sombre et plus viscérale, pour le trio rock originaire de Brighton.

Révélé à la fin des années 2010 avec Don’t Wait ’Til Tomorrow, YONAKA s’était rapidement imposé comme l’un des groupes britanniques les plus prometteurs de la scène alternative, grâce à un savant mélange de riffs massifs, de refrains immédiats et à la voix incandescente de Theresa Jarvis. Sept ans plus tard, le groupe revient avec une œuvre plus mature, nourrie par l’expérience, les épreuves et une volonté affirmée d’explorer les zones moins confortables des sentiments humains.

Autoproduit et décrit par le groupe comme “turbo-chargé”, Until You’re Satisfied s’attaque frontalement aux thèmes de l’amour sous toutes ses formes, loin des clichés romantiques. Ici, il est question de relations abîmées, de dépendance affective, de trahisons et de résilience. YONAKA revendique un disque honnête et sans fard, qui regarde la réalité en face et transforme la douleur en énergie brute.

Cette nouvelle ère s’est installée progressivement à travers une série de singles percutants. Problems a servi de détonateur, annonçant un virage plus tendu et plus direct. Cruel, premier extrait officiel de l’album, a confirmé cette orientation avec son intensité émotionnelle et ses guitares abrasives. Plus récemment, Hit Me When I’m Sore prolonge ce fil rouge, évoquant les coups encaissés et la capacité à se relever, porté par une écriture incisive et une dynamique taillée pour la scène.

Avec ses treize titres, Until You’re Satisfied s’annonce comme un disque charnière dans la carrière de YONAKA. Plus dense, plus sombre mais toujours résolument mélodique, l’album ambitionne de dépasser le succès de son prédécesseur et d’installer durablement le groupe parmi les références du rock alternatif britannique contemporain.

À l’aube de 2026, YONAKA ne se contente plus de confirmer les espoirs placés en lui : le trio affirme une identité forte et assume une vision artistique plus radicale. Until You’re Satisfied s’impose déjà comme l’un des albums rock les plus attendus du début d’année, promesse d’une décharge émotionnelle aussi intense que fédératrice.

Le premier single, I Just Might, dévoilé le 9 janvier 2026 et star de la semaine sur RADIO COLLECTION (chaque soir à 18H), donne le ton : groovy, dansant, séducteur — Bruno Mars est de retour, et il n’a rien perdu de son magnétisme.

Présenté comme son 4ème album studio solo, The Romantic marque la fin d’une longue attente pour les fans. Depuis 2016, Bruno Mars avait privilégié collaborations et projets annexes, notamment la parenthèse dorée Silk Sonic avec Anderson .Paak.

L’annonce officielle, d’une sobriété presque provocatrice — « My album is done », postée le 5 janvier sur X — a suffi à déclencher un emballement médiatique mondial. Précommandes ouvertes, playlists éditoriales déjà positionnées, articles de presse en cascade : The Romantic s’impose d’emblée comme l’un des albums pop majeurs de 2026. Distribué par Atlantic Records, le disque revendique une ambition claire : renouer avec un romantisme pop-soul luxueux, dans la lignée de Just The Way You Are, When I Was Your Man ou Marry You, tout en conservant l’énergie funk qui a fait de Mars un faiseur de tubes planétaires.

Derrière son titre explicite, The Romantic s’annonce comme un album-concept centré sur les multiples visages de l’amour : la séduction légère, le désir immédiat, la tendresse, mais aussi une certaine mélancolie feutrée. Musicalement, Bruno Mars puise sans complexe dans l’héritage soul, disco et funk des années 70-80, qu’il modernise avec une production ultra-léchée, calibrée pour les standards radios contemporains.

I Just Might, un premier single taillé pour la piste de danse

1er extrait officiel de l’album, I Just Might joue la carte de l’évidence. Dès les premières secondes, la basse funky, les cuivres clinquants et le groove disco installent une ambiance résolument festive. Bruno Mars y raconte un instantané de club : un regard échangé sur la piste, une attraction immédiate, et cette pensée spontanée — « I just might make her my baby ».

Le refrain, accrocheur et taillé pour rester en tête, interpelle le DJ et célèbre le pouvoir de la danse comme langage universel. On y retrouve l’efficacité redoutable de Uptown Funk ou 24K Magic, mais avec un vernis plus romantique, presque espiègle. 

Le clip, fidèle à l’ADN visuel de Mars, plonge dans un univers disco rétro : lumières chaudes, costumes seventies, chorégraphies millimétrées. Un hommage appuyé à l’âge d’or des dancefloors, remis au goût du jour avec une esthétique contemporaine.

Un retour sur les radios… et dans les stades

Ce comeback ne se limite pas au studio. Bruno Mars accompagnera la sortie de The Romantic d’une tournée mondiale d’envergure, la Romantic Tour, dont le coup d’envoi est prévu le 10 avril 2026. Près de 40 dates sont annoncées en Amérique du Nord et en Europe, avec des passages très attendus dans des lieux emblématiques comme Wembley ou le Stade de France en juin.

Là où son premier album jouait sur la surprise et l’ironie immédiate, moisturizer creuse plus loin : plus dense, plus sentimental, mais toujours mordant, l’album conserve l’humour acide et le sens du refrain qui ont fait la réputation du groupe, tout en gagnant en épaisseur émotionnelle et en puissance collective.

D’un duo viral à un véritable groupe

Originaire de l’île de Wight, Wet Leg s’est d’abord fait connaître en 2021 grâce au single “Chaise Longue”, devenu viral pour son minimalisme post-punk et son absurde désinvolture. Le cœur créatif reste porté par Rhian Teasdale (chant, guitare) et Hester Chambers (guitare, chant), mais moisturizer marque un tournant fondamental dans l’histoire du groupe.

Les musiciens de tournée – Josh Mobaraki (guitare), Ellis Durand (basse) et Henry Holmes (batterie) – deviennent membres à part entière. Ce changement se ressent immédiatement : le son est plus massif, plus organique, plus incarné. Wet Leg n’est plus seulement un duo entouré, mais un véritable groupe, capable de nuances comme d’impact frontal.

moisturizer (2025) : un album plus abouti et plus émotionnel

Sorti le 11 juillet 2025 chez Domino Recording Company, moisturizer est produit par Dan Carey et mixé notamment par Alan Moulder. La production gagne en profondeur : guitares tranchantes, basse très présente, batterie nerveuse, voix tantôt détachée, tantôt étonnamment fragile.

Composé de 12 titres, l’album aborde les thèmes de l’obsession amoureuse, de la dépendance affective, de l’anxiété et des relations contemporaines, toujours avec ce mélange de distance ironique et de sincérité désarmante. Derrière les formules sèches et les punchlines, moisturizer se révèle beaucoup plus sentimental qu’il n’y paraît.

Dès les premières écoutes, moisturizer aligne une série de titres qui s’imposent naturellement à l’antenne comme sur scène.

catch these fists ouvre le bal avec une énergie garage-punk immédiate, taillée pour le live. liquidize accentue la tension, plus nerveuse, presque anxieuse. CPR, souvent citée comme l’un des sommets du disque, incarne parfaitement l’équilibre Wet Leg : efficacité pop et nervosité post-punk.

Parmi les titres les plus marquants, mangetout s’impose rapidement, porté par un riff imparable et une ironie ravageuse. Davina mccall révèle une facette plus douce et rêveuse, presque nostalgique, tandis que pond song séduit par son refrain lumineux et sa redoutable efficacité.

Plus clivante, pokemon assume un ton pop et feel-good qui divise la critique mais renforce l’identité décomplexée du groupe. En fin de parcours, pillow talk et u and me at home offrent des conclusions intenses et émotionnelles, flirtant parfois avec le shoegaze, et laissant une impression durable.

Un accueil critique largement positif

La presse spécialisée a majoritairement salué moisturizer comme un véritable pas en avant. Plus cohérent, plus construit, l’album est perçu comme la preuve que Wet Leg a su dépasser l’étiquette de phénomène viral pour s’installer dans la durée. Les critiques mettent en avant la qualité d’écriture, la force des refrains, la cohérence d’ensemble, et la capacité du groupe à évoluer sans perdre son identité.

Si certains morceaux sont jugés plus légers ou expérimentaux, l’ensemble est unanimement reconnu comme un disque solide, ambitieux et marquant pour la scène indie britannique de 2025.

Sur scène, moisturizer confirme tout son potentiel. Wet Leg a enchaîné plus d’une centaine de concerts en 2025, avec une tournée nord-américaine majeure et de nombreuses dates européennes et festivals. Les nouveaux titres occupent une place centrale dans les setlists, preuve que l’album a été pensé comme un disque vivant, fait pour être joué, transpiré et partagé.

Le choix évident de RADIO COLLECTION

En plaçant moisturizer au rang d’album n°1 de 2025, RADIO COLLECTION salue un disque qui incarne parfaitement l’esprit pop-rock contemporain : audacieux, accrocheur, sincère et libre. Wet Leg réussit ici un équilibre entre efficacité radiophonique et crédibilité artistique.

moisturizer installe Wet Leg parmi les groupes majeurs de 2025.